Crítica do “O Hobbit: A batalha dos cinco exércitos”

Após algo como 111 horas na Terra-média, Peter Jackson enfim cambaleia sobre a linha de chegada com um rugido de triunfo antes de desmaiar, não sem um toque de dignidade e sentimento no final.

Ou talvez fosse o que estava pensando. É difícil dizer neste momento.

O que eu posso dizer é que O Hobbit: A Batalha dos Cinco Exércitos (um título estranhamente recheado com muitos o‘s, numa altura em que títulos de filmes muitas vezes dispensam artigos) inclui – em meio ao espetáculo estrondoso e serviços cínicos de fãs – alguns dos melhores materiais desta trilogia.

Lembro-me que a trilogia cinematográfica de O Senhor dos Anéis oferecia flashes ocasionais de inspiração que, para mim, realmente melhoraram do que JRR Tolkien escreveu, ou pelo menos ofereceram a visão cinematográfica mais gratificante de uma visualização direta que Tolkien teria (esses momentos incluem, por exemplo, o poder quase sacramental da espada Reforjada de Aragorn sobre os mortos em O Retorno do Rei, simbolicamente representando o poder de ligação de seus juramentos).

A trilogia do Hobbit (estou um pouco surpreso que ninguém está chamando isso de O Ho33it) abre com um conjunto de cenas que eu prefiro no que Tolkien escreveu em O Hobbit: o assassinato de Smaug. Por mais que eu ame O Hobbit, confesso que eu não amo o jeito que Tolkien escolheu para dispor de seu mais delicioso vilão, abatido por um personagem introduzido em alguns parágrafos anteriores, utilizando sua seta especial preta da sorte introduzida imediatamente antes de ser utilizada.

Nos filmes, o mal-encarado Bard (Luke Evans) foi naturalmente estabelecido pelo filme anterior, A Desolação de Smaug, juntamente com seu filho, Bain (John Bell), e uma versão jacksonizada da seta preta fatídica: uma poderosa seta preta de ferro chamada lança do vento armada no alto de um edifício sobre uma espécie de besta. Este é um corolário do governo de Anton Chekhov: Não só uma arma introduzida no primeiro capítulo deve sair em um capítulo posterior, uma arma que dispara no final precisa ser estabelecido anteriormente.

Melhor ainda, Jackson mostra que ele se lembra de uma lição aprendida com os últimos filmes de dois anéis: monstros draconianos são mais assustadores no chão (à la Retorno do Rei) do que no ar (à la Duas Torres).

O melhor de tudo é um momento simpático, não só entre Bard e Bain, mas com Smaug sendo Smaugish até o fim, arrumando, insultando e ameaçando (a decisão provavelmente motivada tanto quanto qualquer coisa pelo desejo de maximizar o vazamento de Benedict Cumberbatch). É claro, o poder da cena é minado pelo que vem no início do filme, em vez do clímax do anterior, mas o que você vai fazer?

Então, isso é só nos primeiros cinco minutos. Em seguida, vem o subtítulo. Então, o que resta nas próximas duas horas ou mais?

Há algumas coisas boas no que se segue. A negociação tensa entre Thorin (Richard Armitage) e Bard é filmada de forma impressionante através de uma abertura em forma de diamante em uma parede de pedra. O Nazgûl aparece em uma forma nova, assustadora; e pela primeira vez Jackson permite que um assistente (92 anos de idade, Christopher Lee – e seu dublê sintetizado) realmente apareçam com algum kung fu mágico. Cate Blanchett tem um momento agradável como Galadriel, estranhamente compensada por um callback mal aconselhado para um dos piores erros de cálculo da trilogia original.

Mais substancialmente, a lenta descida de Thorin em obsessão, a avareza e a paranoia oferece algum peso moral e emocional totalmente inexistente no capítulo do meio. Em um toque hábil, os cineastas evocam a “doença do dragão” de Thorin – o efeito pernicioso sobre o coração dos anões sobre a qual um dragão há muito pairava – com um efeito inicialmente sutil recordando o momento em A Sociedade do Anel, onde Bilbo manifesta em Valfenda um flash de raiva semelhante ao de Golum com a visão do Anel.

Mas Jackson não pode furar o desembarque, e continua a estender e catraca até o efeito, como o cara que não consegue parar de te empurrar nas costelas com o cotovelo, porque, obtê-lo, fazê-lo, você vê?

Infelizmente, a decisão moral chave de Bilbo nesta crise final não recebe o seu devido valor. Em parte isso é por causa de um modesto, mas descomplicado desempenho de Martin Freeman, que continua a ser muito menos interessante do que quaisquer dois minutos de Ian Holm em A Sociedade. E em parte é porque Jackson está com pressa para chegar ao material que realmente importa: a batalha, os cinco exércitos, os cinco exércitos que lutam, a batalha dos cinco exércitos.

Além disso, infelizmente, aparecem coisas triângulo amoroso de Crepúsculo com Legolas, Tauriel e Kili (Orlando Bloom, Evangeline Lilly e Aidan Turner), e a impressionante guerra épica entre Thorin e Azog, o Profanador. Além disso, de forma bizarra, a presença covarde do mestre lacaio da cidade do lago (Ryan Gage).

Além disso, Legolas está cada vez mais impressionante, continuando em cada filme uma façanha mais escandalosa do filme anterior. Para sua última performance de sempre, Legolas puxa um movimento que eu nunca pensei ver em um filme menos cartunesco de Kung Fu Panda (que incluiu uma forma um pouco mais ultrajante do mesmo conceito durante a fuga da prisão de Tai Lung). É claro que tudo isso só vai dar uma estranha sensação de anticlímax para a contenção comparativa de A Sociedade quando os filmes forem vistos em ordem cronológica. Como por que é que Legolas de repente se parece muito menos impressionante?

Nesse ponto, eu estava mais ou menos se preparado para toda a renúncia e, por isso, não esperava muita coisa. Eu esperava que Jackson e companhia, que tinham sido sensíveis à linguagem espiritualmente flexionada de Tolkien na trilogia original (por exemplo, o discurso de Gandalf, O Cinzento, em O Retorno do Rei), pudesse incluir em qualquer um dos Hobbit mais referências religiosas ostensivas: a fala de um personagem morrendo em ir “para as salas de espera para sentar-se ao lado dos meus pais, até que o mundo se renove”, e de Bilbo e Gandalf comentando sobre a profecia e Providência na experiência vivida. Não tive essa sorte. O primeiro é simplesmente omitido, enquanto frases isoladas destes últimos são desajeitadamente retrabalhadas para evitar as ressonâncias espirituais.

E ainda há muito material interessante e, no final, um vestígio suficiente de sentimento real de que, à medida em que os créditos rolam ao som plangente de The Last Goodbye pelo próprio Pippin, Billy Boyd (cuja canção Edge of night foi um destaque em Retorno do Rei), o filme termina com uma nota de melancólica nostalgia. As imagens nos créditos finais são muito mais tolkenianas do que qualquer coisa nas últimas duas horas, deixando-nos com uma melancólica contemplação: o que poderia ter sido, o que poderia ter sido.

Steven D. Greydanus é crítico de cinema do Register e criador de Decent Films. Ele está estudando para o diaconato permanente para a Arquidiocese de Newark, New Jersey. Siga-o no Twitter .